京都国际写真祭之所以能办得成功，一部分原因是影像能超越语言差异，以心传心：透过无言交流，震动心弦产生和谐共鸣。 “ Vibe”意思就是在特定场域内以心传心，如此贴切的摄影展活动主题，已经走过了七个年头。

 

在11个主要展场中，“自然形态之美：包浩斯（Bauhaus）的100年纪念展”最忠实地表现了这个主题。 Alfred Ehrhardt大师的大幅照和经典黑白照中呈现的贝壳、珊瑚和北海的海埔地等给人一种奇妙的感觉，好像在显微镜下看到的原生动物，皮肤和头发。正如策展人Sonia Voss所说，透过两足院窗外的广阔花园完美地呈现了绿色“宇宙世界”。

但是，尽管文字记录和翻译不被赞同，但也不能完全否定文字的功能。这从在京都文化博物馆别馆的主要会场内展示的“野生”展中可明显看出。肖像画家大师阿尔伯特·沃森（Albert Watson）的名作也许可以证明这一切。作为摄影工作者的摄影师，他以对摄影器材的“手工处理”而著称：为了让米克杰格（Mick Jagger）的人像照令人留下深刻的印象，Watson把照Jagger的底片回转，并重复将Jagger的脸拍在豹子的脸上，直到成功拍到两者完美结合的照片。这是我在展览照片旁附上的解说中学到的。令人遗憾的是，他的其它著名作品（例如坂本龙一和斯凯岛（The Isle of Skye）的图像），以及其他任何照片上，还是墙上的标签或是作者简介中，都没有任何有关他的摄影技术或背景故事的解说。同时，他在媒体发布会上的简短讲话中，似乎对谈论展览的主要赞助商BMW比对他自己的作品更让人感兴趣。我知道不应该做这样的比较，但比起去年此时在此举办的Jean-Paul Goude的发布会盛况，结果令人感到困惑。

 

今年最受欢迎的是年轻波兰摄影师（生于1984年），Weronika Gesicka拍摄的“多么美好的世界（What a Wonderful World）”，美国蒙太奇摄影照揭示了所谓的美国伟人时代的虚构性质，反映出与波兰当代插画家Pawel Kuczynski类似的讽刺幽默感。场景设计是今年展览中最精致的场景之一：照片展示在铺瓷砖的走廊和1950年代的客厅中，客厅里放着沙发，还有复古电视机，电视机上的两支天线看起来像兔子的两只耳朵，以及像蓬松头发般的布拖把和后院里危险的儿童游乐器材。 Roland Marchand的《宣传美国梦》（1985年）和大卫林区与麦可摩尔的纪录片（他们使用标题曲作为整个科伦拜校园暴行事件中CIA协调场面的背景音乐）已经包含在这个领域，甚至正如John Einarsen所说，对于大多数美国人而言，非蒙太奇的照片本身在一定程度上足以传达许多信息。

另一个受欢迎（也很有趣）的展览是室町街上的誉田屋源兵卫竹院之间的“皮埃尔·塞尔内＆春画（Pierre Sernet & Shunga）”，原本在东京Chanel Nexus Hall展出时已吸引了大批观众。春画字面上的意思是“春季的图片”，在这里看到的春画都是2013-14年在大英博物馆展出的江户时代情色版画，后来隔了一段时间，又在东京的永清文库博物馆和京都的细见博物馆展出。细想人们可以普遍地从书本上看到春画，因此国家公开展览在不被赞同的情况下得以举办令人非常惊讶。香奈儿（Chanel）GK的董事长Richard Collasse将这种“伪善”归咎于19世纪“美国清教徒主义”的影响，但事实上，从1722年的享保改革开始（大英博物馆展览的目录上有专门讨论这一主题的章节），德川当局曾长久以来对春画的生产者和买卖供应者进行审查，监禁甚至折磨拷问，因为正如伊恩·布鲁马（Ian Buruma）所说，日本文化认定公开的性行为在政治上是违法的。有趣的是，在这样的背景下，在东京首次开展时，主办者考虑设定“女性日”来鼓励被认为拘谨的日本女性参加。这种入场设定的需求很快就被消除了，事实上，女性参加者的人数超过了男性，这表示日本女性亦积极地追求在公开场合解放身体的“隐私”部位，从小野洋子和五十岚惠等女性艺术家的作品中也可以看出这一点。

 

大英博物馆在目录上谨慎地指出：“近代的日本确实不是性天堂；那里有庞大的剥削性产业。”虽然有些版画描绘了强奸的景象，其中有一张特别令人毛骨悚然。那张画描绘着一位皮肤灰白，张着爪子的荷兰船长与一位坚忍的性工作者相遇的情景，但展览的气氛特别轻松（春画也被称为warai-e，字面意思是“图片让你开怀大笑”）。在妓女和客户，女佣和旅行营业员以及武士和艺妓之间，我们看到了类似的角色，诸如mabu（指已婚女人的情夫或性工作者的非付费客户–“后门男人”）和otoko mekake （寡妇养的情夫）。在看似无止尽的配对关系中（偶尔有三角关系），除非我们阅读写满在大多数作品顶部的对话，和完整的英文和日文字幕说明，否则大多数内容会使我们想逃离展览会场。毕竟，春画算是一部首创漫画。如果说文明已经让社会有任何进步，那么从皮埃尔·塞尔内（Pierre Sernet）的侧面肖像中可以看到一个事实就是多方位，多文化的色情交易，应该完全是双方同意的行为。

在y gion举办的三人展“关于她，关于我，关于他们：三位摄影师镜头下的古巴艺术和生活”，透过他们的作品藉由艺术手法浮现了潜在的犯罪和政治压抑问题。当我看到革命前曾是时尚摄影师，也是三人中最年长的阿尔贝托·科尔达（Alberto Korda）的作品时，我觉得他似乎毫不费力地在革命当中重新调整他对女性面孔的审美观并创造出切·格瓦拉（Che Guevara）的标志性肖像时，不知他是如何做到的。革命发生时Rene Pena还是婴儿，他将自己的身体视为“舞台”，以自身的生涯来表现革命的历史。亚历杭德罗·冈萨雷斯（Alejandro Gonzalez）是三人中最年轻的，通过他对历史事件的透视与再认识以及为街头儿童和在正式的历史叙述中缺席的哈瓦那的LGBT群体的摄影，批判革命诺言与现实之间的差距。

 

当然，对社会最锐利的批评来自社会内部。冈原功佑（Kosuke Okahara）致力于帮助六名（其中有五例在展示里做介绍）东京地区有自虐常习的年轻女性度过阴霾。我们唯有在冈原极具说服力的书面介绍中才能真正里到一部分这些故事背后的原因：欺凌，家庭暴力，性虐待和强奸等。他写道，他们的困境赤裸裸地“揭开现今日本社会的黑暗面”。这些照片中显示出孤独和经济贫困，是亲密的，而不是偷窥猥亵的。我们看到妇女在家中服用药（抗忧郁药？），准备割伤自己，被救护车送往医院。令人震惊的是，即使是快乐的事件，例如婴儿的出生，也不足以防止复发。有五组照片被放在由木村俊介设计的一个更宽阔、漆黑的空间中，场内布置成地牢和引导错误转弯的展场迫使我们经历女性的困境，成功地表现了作者的诉求。冈原的另一场展览与玛格南图片社摄影师Paolo Pellegrin共同合作，主题是京都大学著名的老旧宿舍吉田寮。作品暗示陷于毫无尊严的窘境，除了不像年轻女性因找不到自己“安心的立身之处”而陷于绝望一样，这个让他们感觉良好的地方，可说让这些进取向上的年轻人（大多数）正在经历一趟“悲惨之旅”。

 

其他两个利用展场空间的展览分别是Ismail Bahri的“樟树”和斑哲明米列派（Benjamin Millepied）的“黑暗中的自由”。 Bahri在二条城的御清所厨房（史无前例的展场利用）设置巨型投影写生机，将现场情景透过镜头呈现在平面上，给予观展者一连串的场域特定体验，投射影像包括场外的樟树在内。我最喜欢的米列派展览在漆黑的黑蔵画廊内上演。米列派是摄影师，编舞家和电影制片，也曾是纽约市芭蕾舞团的首席舞者和巴黎歌剧院芭蕾舞团的导演，现在米列派以洛杉矶为活动据点全心致力于他创立的洛杉矶舞蹈计画（LA Dance Project）。展场入口的走廊上摆满了看不见表情的人影轮廓照，照片中的人物都走在好莱坞林荫大道上。场内黑暗的圆广场内摆放着一系列婀娜多姿的热舞中舞者的等身黑白照，交替出现在反射面上，并伴有由“洛杉矶之音，从伯纳德·赫尔曼到荀白克再到史特拉汶斯基（sounds of LA, from Bernard Herman to Schoenberg to Stravinsky）”构成的声景。在二楼播放着米列派的短片“ 思考”，再进一步往上，通过螺旋梯到达位于塔顶的第三间房间，上面放着更多舞者肢体的黑白照片，但场地​​规模较小。圆形的房间内伴随着声景不断反复播放着舞者乏味地排练时低声哼着舞曲旋律和发出砰砰舞步声的影片，让观展者重新认识米列派在他的艺术家讲座中所说的“与时间的腐败关系（corrupt relationship with time）”。