KYOTOGRAPHIE​ ​ha tenido éxito en parte porque las imágenes fotográficas tienen la capacidad de trascender las diferencias lingüísticas a través de ishin denshin: comunicación sin palabras, cuerdas del corazón que vibran en armonía. "Vibe", que sitúa a ishin denshin dentro de un lugar específico, es un tema apropiado para el festival de fotografía, ahora es en su séptimo año

 

De los once lugares principales, "Las formas de la naturaleza: 100 años de Bauhaus" ilustra este tema de la manera más fiel. Las fotografías en blanco y negro de gran formato e impresión vintage de Alfred Ehrhardt de conchas, corales y llanuras de marea del Mar del Norte se ven increíblemente como protozoos, piel y cabello vistos con un microscopio, y, como señala la curadora Sonia Voss, se reflejan en el "macrocosmos" verde de los extensos jardines del Templo Ryosokuin fuera de la ventana.

Sin embargo, a pesar de las dificultades de transcripción y traducción, las palabras no pueden prescindirse por completo. Esto es especialmente claro en el caso de "Wild", el lugar principal en el Anexo del Museo de Kyoto. La reputación del maestro retratista Albert Watson quizás habla por sí misma. Fotógrafo de fotógrafo, es famoso por su manejo "artesanal" de las materias primas de la fotografía: para lograr su asombroso retrato de Mick Jagger, Watson rebobinó su película y disparó la cara de Jagger sobre la de un leopardo repetidamente hasta lograr una doble exposición perfecta. . Esto lo aprendí al leer la leyenda al lado de la fotografía en la exposición. Desafortunadamente, no se proporcionó información técnica ni antecedentes para sus otras obras famosas, como sus imágenes de Ryuichi Sakamoto y The Isle of Skye, ni para ninguna de las otras fotografías, ya sea como etiquetas en la pared o en el catálogo reducido. Del mismo modo, en el breve discurso que dio durante la gira de prensa, el fotógrafo parecía más interesado en hablar sobre BMW, el principal patrocinador de la exposición, que sobre su oficio. Sé que no es justo comparar, pero recordando la extravagancia de Jean-Paul Goude del año pasado en el mismo espacio el año pasado, el efecto fue desconcertante.

 

El premio de “crowd-pleaser​ de este año”, "What a Wonderful World" por el joven fotógrafo polaco (n. 1984) Weronika Gesicka, fotomontajes de fotografías estadounidenses para revelar la naturaleza ficticia de la llamada era de la grandeza estadounidense, que refleja un sentido del humor irónico similar a la de dibujantes polacos contemporáneos como Pawel Kuczynski. La escenografía es una de las más elaboradas en el programa de este año: las fotos se muestran en un pasillo embaldosado y una sala de estar de la década de 1950, completa con un sofá, un televisor con orejas de conejo, trapeadores de pelo peinado y un equipo de juegos traicionero en un patio trasero. . Obras como Publicidad del sueño americano de Roland Marchand (1985) y las películas de David Lynch y Michael Moore (que utilizaron la canción principal como música de fondo para una secuencia sobre las atrocidades orquestadas por la CIA en Bowling for Columbine) han cubierto este territorio antes, para la medida en que, como comentó John Einarsen, para la mayoría de los estadounidenses, las fotografías no montadas en sí mismas habrían sido suficientes para transmitir el mensaje.

Otro espectáculo popular (y también muy divertido) es "Pierre Sernet & Shunga" en The Kondaya Genbei Chikuin-no-Ma en la calle Muromachi, que atrajo a grandes multitudes cuando se abrió originalmente en el Chanel Nexus Hall en Tokio. El shunga, literalmente "Imágenes de primavera", visto aquí, es de una colección de impresiones eróticas del Período Edo que se encontraban entre las exhibidas en el Museo Británico en 2013-14, y más tarde, con muchas dudas, en el Museo Eisei Bunko en Tokio y el Museo Hosomi en Kyoto. Esta reticencia a montar una exposición pública en el país del nacimiento de la forma de arte se consideró sorprendente teniendo en cuenta el hecho de que los shunga están ampliamente disponibles como libros. Richard Collasse, presidente de Chanel GK, culpa de esta "hipocresía" a la influencia del "puritanismo estadounidense" del siglo XIX, pero de hecho hay una larga historia de productores y proveedores de shunga censurados, encarcelados e incluso torturados por las autoridades Tokugawa. comenzando con las reformas de Kyoho en 1722 (el catálogo de la exposición del Museo Británico dedica un capítulo completo sobre este tema), porque, como ha argumentado Ian Buruma, la cultura japonesa a menudo ve las expresiones de sexualidad manifiesta como políticamente transgresoras. En este contexto, es interesante observar que cuando el espectáculo se abrió por primera vez en Tokio, los organizadores consideraron tener un "día de las mujeres" para alentar a las mujeres japonesas supuestamente formales a asistir. La necesidad de tales adaptaciones se descartó pronto y, de hecho, las asistentes femeninas superaron en número a los hombres, lo que sugiere que las mujeres japonesas consideran que la representación pública de partes del cuerpo "privadas" es intensamente liberadora, como también se puede ver en las obras de mujeres artistas que van desde Yoko Ono a Megumi Igarashi.

 

El catálogo del Museo Británico es cuidadoso al señalar que “el Japón moderno temprano ciertamente no era un paraíso sexual; hubo una industria sexual enorme y explotadora ", y aunque algunas de las impresiones muestran violación y un encuentro especialmente espeluznante entre un capitán de mar holandés de piel gris y dedos de garra y una trabajadora sexual estoica, el ambiente del espectáculo es predominantemente ligero (Shunga también se llamaban warai-e, literalmente "imágenes para hacerte reír"). Entre las cortesanas y clientes, las criadas y los vendedores ambulantes, y los samuráis y las geishas, nos presentan personajes como el mabu (amante de la mujer casada o cliente no remunerado de una trabajadora sexual - "un hombre de la puerta trasera") y el otoko mekake (El hombre de una viuda). En el conjunto aparentemente interminable de acoplamientos (y el trío ocasional), la mayor parte de esto se nos escaparía a menos que leamos los diálogos que ocupan la parte superior de la mayoría de las impresiones, que están excelentemente subtitulados en inglés y japonés. Shunga, después de todo, fue el primer manga. Si la civilización ha progresado en absoluto, se puede ver por el hecho de que los acoplamientos eróticos multiculturales y multi-orientados que se ven en los retratos de silueta de Pierre Sernet se pueden suponer que son totalmente consensuales.

El trío de espectáculos, “Sobre ella, sobre mí, sobre ellos: Cuba a través del arte y la vida de tres fotógrafos” en y gion también sugiere que al introducir la posibilidad de transgresión, se puede ver que la represión política promueve la expresión artística. Este pensamiento se me ocurrió al ver cómo el más importante de ellos, Alberto Korda, un fotógrafo de moda antes de la Revolución, aparentemente no tuvo problemas para reajustar su visión estética para encontrar belleza en los rostros femeninos de la revolución y crear su Retrato icónico del Che Guevara. René Peña, que era un bebé cuando tuvo lugar la revolución, trató a su propio cuerpo como un "escenario" sobre el cual representar la historia de los tiempos en que vivió. Alejandro González, el más joven de los tres, usa la fotografía para criticar la brecha entre las promesas de la revolución y la realidad, a través de sus reconstrucciones de diorama de eventos históricos y sus fotografías de niños de la calle y miembros de la comunidad LGBT de La Habana, que están ausentes del narrativa histórica oficial.

 

Por supuesto, la crítica social más mordaz proviene de la propia sociedad. Durante 12 años, Kosuke Okahara estuvo involucrado en la vida de seis mujeres jóvenes del área de Tokio (cinco aparecen en el programa) que eran adictas a la práctica de la automutilación. Las causas: intimidación, violencia doméstica, abuso sexual y violación son parte de la historia de fondo que solo conocemos en la introducción escrita elocuentemente de Okahara. Su situación, escribe, sirve para "exponer un lado oscuro a la sociedad japonesa contemporánea". Las fotografías, que revelan la soledad y la privación económica, son íntimas, pero no voyeuristas. Vemos a las mujeres en casa, tomando pastillas (¿antidepresivos?), Preparándose para cortarse, siendo llevadas al hospital en una ambulancia. Es desgarrador ver que incluso los eventos felices, como el nacimiento del bebé, no son suficientes para prevenir una recaída. Shunsuke Kimura organiza las cinco agrupaciones de fotografías de manera muy efectiva dentro de un espacio más grande y completamente negro, cuyas oubliettes y giros incorrectos nos obligan a compartir el sentimiento de atrapamiento de las mujeres. El tema de la otra exposición de Okahara, que comparte con el veterano fotógrafo de Magnum Paolo Pellegrin, es el famoso Yoshida Dormitory de la Universidad de Kyoto, lo que sugiere una fascinación por lo abyecto, excepto que, a diferencia de las mujeres jóvenes que desesperan por encontrar un "Ibasyo", un lugar donde se sienten bien, se puede decir que estos hombres jóvenes (en su mayoría) con movilidad ascendente están experimentando "turismo de miseria".

 

Las otras dos exposiciones que hacen un uso excepcional del espacio de su lugar son "Kusunoki" de Ismail Bahri y "Freedom in the Dark" de Benjamin Millepied. Bahri transforma Nijo cocina Okiyodokoro del Castillo (el único lugar que se utiliza por primera vez) en una cámara gigante lucida, invitando al espectador a experimentar una serie de instalaciones específicas de sitio, incluyendo una visión de la parte exterior del árbol de alcanfor. La exposición de Millepied, mi favorita, se presenta dentro de los límites de la melancólica Galería Kurogura negra. Fotógrafo, coreógrafo y cineasta, además de ser bailarín principal del New York City Ballet y Director del Paris Opera Ballet, Millepied se dedica actualmente a tiempo completo al LA Dance Project, con sede en Los Ángeles, que él fundó. El pasillo de entrada está bordeado por una acumulación de siluetas "inexpresivas" de personas que cruzan Hollywood Boulevard. El oscuro santuario circular interior está forrado con una serie de imágenes monocromáticas de bailarines en movimiento de gran tamaño y expresivas alternándose con superficies reflectantes acompañadas de un paisaje sonoro compuesto por los "sonidos de Los Ángeles, desde Bernard Herman hasta Schoenberg y Stravinsky". En el segundo piso está el cortometraje de Millepied, "Reflexiones", y más arriba, una tercera habitación en la parte superior de una torre a la que se accede por una escalera circular está llena de más fotos en blanco y negro de las extremidades de los bailarines, de menor escala. La sala circular, con su paisaje sonoro de ensayos de gruñidos y golpes sordos de bailarines en un bucle continuo, invita al espectador a reexaminar lo que Millepied en la charla de su artista llamó una "relación corrupta con el tiempo".