Fin octobre, s'ouvre la saison pour des couleurs d'automne exquises à Kyoto mais aussi un point culminant du calendrier artistique de la ville:​ ​KYOTO EXPERIMENT​ ​.

 

Depuis 2010, ce festival des arts du spectacle radical a vu fleurir la créativité dans divers lieux de la ville, et le public se réunit pour assister à des danses, théâtre et installations provocantes et dynamiques. Les participants à l’événement de cette année ont apporté leurs œuvres de lieux lointains: de Séoul à Okinawa, en passant par Strasbourg, New York, Berlin, Paris, Lisbonne et Buenos Aires, dont beaucoup étaient en première. Cette année, les thèmes prédominants étaient ceux du féminisme et de la modernité, avec des performances conçues pour remettre en question nos idées préconçues et des notions.

 

Les performances auxquelles j'ai assisté comprenaient Embodiment of Water de Roberta Lima, le plus mémorable pour sa mise en scène esthétiquement fascinante, dans laquelle une fusion de musique et de danse a eu lieu sous un nuage de pluie de globules cristallisés; tandis que l'exposition très immersive de Mud Man de Chikako Yamashiro, une combinaison de vidéo et de performance en direct, présentait un monde visuel de mouvement aux couleurs vives, où d'innombrables mains émergeaient d'un lit de fleurs, projetées sur un ensemble de trois panneaux dans une pièce faiblement éclairée. DUB LOVE était un spectacle éthéré de trois artistes dansant sur des pointes au rythme jamaïcain résonnant d'un système sonore rétro. Bacchae-Prelude To A Purge, une pièce comique, musicale et dramatique sur la psyché humaine, a réuni un public qui, s'il n'était pas réduit au choc, était en éclats de rire, et leur implication était souvent inscrite dans leur performance. Sur la base d'une tragédie d'Euripide, les acteurs ont interprété une telle gamme d'expression puissante, de manière énergique jusqu'à la fin. Le spectacle de Natsuko Tezuka, Floating Bottle Project Vol. 2 Dive into the point a poussé l'implication du public encore plus loin: les diviser en 3 équipes et leur demander de suivre un certain nombre de règles dans le cadre d'un jeu qui posait de sérieuses questions sur la liberté et l'autorité qui resteraient sans aucun doute dans leur esprit longtemps après la fin du spectacle.

 

J'ai parlé à Yusuke Hashimoto au Théâtre ROHM le dernier jour de Kyoto Experiment pour avoir un aperçu du monologue intérieur de ces performances, ainsi que de la vision et des efforts derrière le festival.

 

Yusuke Hashimoto:​ ​Je suis arrivé à Kyoto il y a 10 ans. Au début, je voulais m'impliquer dans toute activité liée au théâtre. Mais je suis allé à l'Université de Kyoto et ils n'avaient pas de département des arts du spectacle. J'appartenais donc à une compagnie théâtrale indépendante, alors que j'étais étudiant. Et, j'ai commencé ma carrière d'acteur, et finalement le directeur de la compagnie m'a demandé d'être producteur.

 

 

 

 

Oui, l'Université de Kyoto. Tant d'étudiants ont formé des compagnies théâtrales par eux-mêmes, et oui, même à l'Université de Kyoto, il y avait six ou sept compagnies. Comme il y avait trois compagnies de théâtre qui se sont formées à l’Université de Ritsumeikan, trois à　Doshisha.

 

Quoi qu'il en soit, j'ai développé les compétences pour devenir producteur par moi-même. J'ai vite travaillé avec d'autres compagnies de théâtre de la région du Kansai et j'ai développé des relations entre chaque compagnie indépendante. J'ai ensuite décidé de créer ma propre société de production en 2003.

 

 

 

Hashimoto Arts Management Office. (Rires) Oui, très simple.

 

J'ai travaillé avec plusieurs artistes, non seulement de compagnies de théâtre mais aussi de compagnies de danse. C'était une très bonne opportunité de travailler avec des compagnies de danse parce que la performance de danse n'utilise pas de langage et a le potentiel de dépasser ces barrières à la compréhension, non seulement au Japon mais aussi à l'étranger.

 

J'ai donc proposé un projet au Kyoto Art Center (qui est l'un des principaux lieux de Kyoto Experiment). Dans le cadre de ce projet, j'ai produit plusieurs œuvres chaque année parce que KAC a non seulement un studio mais aussi un auditorium pour les présenter efficacement - ils ont également leur propre budget. Mais nous ne pouvions pas attirer le public extérieur à Kyoto, alors j'ai eu l'idée de lancer un festival. Parce que le timing est crucial pour son succès, nous avons décidé de présenter plusieurs œuvres le même week-end afin de faciliter la sortie d'une journée pour le public qui habite en dehors de Kyoto.

 

Avant, les jeunes artistes basés ici dans la région du Kansai qui voulaient se développer à l'international devaient toujours se rendre à Tokyo au début pour se familiariser avec les bons critiques ou journalistes vivant là-bas qui pourraient aider à lancer leur carrière. Mais je voulais créer une plateforme internationale pour que ces artistes puissent naturellement faire le lien ici et être invités à l'étranger. Kyoto est très connue pour sa culture traditionnelle mais d'un autre côté il y a tellement de nouvelles cultures contemporaines que les jeunes développent. Comme vous le savez, il y a tellement d'universités et d'étudiants qui font eux-mêmes des activités très culturelles. Il y a aussi tellement d'entreprises qui fabriquent des produits de haute technologie, et je voulais montrer ces autres aspects.

 

 

 

 

Oui. Mais j'étais très stressé. Bien sûr, j'ai dépensé beaucoup d'argent, mais je n'aimais pas non plus leur approche et leurs valeurs. Mais je suppose que c'est ce qui se passe dans n'importe quelle capitale.

 

 

 

 

L'aspect le plus important de Kyoto Experiment est de promouvoir l'expérimentation. Les principaux objectifs des festivals internationaux des arts du spectacle sont de présenter des œuvres existantes. Nous voulons produire de nouvelles oeuvres. Alors parfois, nous invitons des artistes deux semaines ou un mois avant ou après le festival et nos collègues soutiennent les artistes pour créer de nouvelles pièces ici.

 

 

 

 

En fait, cela vient de l'image de notre conférence de presse. Chaque année, nous avons une conférence de presse pour annoncer les détails du festival, généralement en juillet ou août, et nous prenons ensuite une photo de groupe avec les artistes qui participeront au festival. Alors quand j'ai pris le journal avec la photo, j'ai remarqué quelque chose. J'ai pensé: Pourquoi tous les artistes ont-ils des moustaches? Tous les artistes masculins. Ensuite, j'ai commencé à y penser. Je pense que fondamentalement, les arts du spectacle sont une activité collective. Il y a bien sûr un metteur en scène, mais aussi le scénariste et chorégraphe, mais l'activité elle-même doit être collective. Il faut réfléchir à l'organisation du collectif, à l'approche relationnelle pour créer du théâtre ou des danses. La photographie m'a fait voir le patriarcat qui est là à la place. KE explore le travail expérimental, donc si nous voulons produire ou présenter un travail expérimental, nous devons penser à la façon dont les gens se rassemblent… comment créer le travail dans cette structure non pyramidale et non hiérarchique. Je veux chercher une alternative.

 

 

 

 

She She Pop, par exemple, est une collaboration de performance, et tout le monde a le même poids d'influence. Tout le monde crée la pièce ensemble. Dans la même veine, je présente un artiste à un nouveau collaborateur, ou parfois je participe moi-même à la discussion et au processus de création.

 

Au début, j'ai décidé que le monde « féminin » représenterait le thème, mais peu à peu mon idée a changé pour celle de la modernisation. Donc, nous ne nous focaliserons pas seulement sur le féminisme mais nous nous concentrons davantage sur des choses en dehors de cela. Je ne veux pas finir avec cette idée ici; Je veux le développer pour l'année prochaine.

 

 

 

 

Il y avait plusieurs façons de voir ce lien. Roberta Lima, Tezuka Natsuko, Chikako Yamashiro, elles pensent toutes au « féminin » mais aussi à la modernisation en même temps dans leur travail. Toutes les trois, le format et la structure de leur travail sont différents dans la façon dont elles le présentent au public, mais elles ont ces thèmes à la base. Elles brisent également ces attentes de barrières entre l'observateur et l'objet.

 

 

 

 

Oui, pour que le festival survive, je prend toujours conscience de la compétition.

 

 

 

 

Surtout pour montrer de nouvelles œuvres: soit en « première mondiale » soit en « première japonaise », car c'est la clé pour attirer le public. Des journalistes aussi.

 

 

 

 

Non seulement le public mais aussi les intéressés ont déjà une idée dans leur tête sur le programme, ou des artistes qu'ils veulent voir. Le défi pour moi est donc de répondre en quelque sorte à leurs attentes. J'essaie d'offrir quelque chose qu'ils ne savaient pas qu'ils voulaient voir. Mais si le public attend quelque chose et que vous lui lancez une balle complètement différente dans une direction différente, alors ils vont juste être pris par surprise, et pas dans le bon sens. Nous devons lancer la balle dans un endroit où ils peuvent réellement l'attraper, mais en même temps, ils doivent travailler un peu pour attraper cette balle.

 

 

 

 

Je ne pense pas que nous y soyons déjà parvenus, mais le but du festival est de défendre la position de commissaire. Surtout sur la scène des arts du spectacle au Japon, il est très difficile de le maintenir. En fait, il est très rare qu'un seul directeur décide le programme dans son ensemble, car si nous organisons nous-mêmes le festival, les ressources nécessaires sont si énormes que nous devons recruter autant de sponsors et d'institutions. Une fois que différents sponsors arrivent, le réalisateur doit penser à l'équilibre et au soin de la relation et parfois accepter leurs idées. Il devient très difficile de présenter mes propres idées directement, toujours. Je pense que l'un des principaux sponsors du théâtre et de la danse est le public, après tout, ils paient les billets. Au Japon, la frontière entre le théâtre indépendant et le théâtre commercial est assez vague. La présence du public est donc très forte, je pense. Ainsi, même si un commissaire propose une œuvre, le public le plus mature comprend tout. Le public est moins disposé à accepter un programme proposé sur l'initiative de commissaire parce qu'il croit savoir ce qu'il veut voir. Ils en ont moins confiance, ni en programmation d'un théâtre alors qu'il y a plus de confiance dans un musée ou un musée d'art.

 

C'est la même chose pour le prix d'entrée au cinéma et au musée. Il y a une attitude différente du public envers les arts du spectacle au Japon, ce qui rend difficile la programmation du festival.

 

Il y a donc deux difficultés: recruter des sponsors et le public. Je veux que ce poste soit reconnu par tous comme un travail important à faire dans la société.

 

Comparé à d'autres villes du Japon, il est probablement plus respecté ici. Beaucoup de gens pensent peut-être que les artistes ne sont pas matures, qu'ils sont une sorte d'amateur et que ce n'est pas un travail ou une carrière convenable d'être un artiste. Mais même s'ils sont amateurs, ils ressentent toujours un respect pour eux, à Kyoto.

 

 

 

 

Ils ne sont pas connectés, à mon avis. KEX ne se concentre pas sur l'attraction des touristes qui pourraient ne s'intéresser qu'à la culture traditionnelle. Mais récemment, nous avons eu des touristes qui veulent explorer la culture contemporaine à Kyoto et qui veulent en savoir plus sur la vie quotidienne des Kyotoites.

 

 

 

 

Je ne peux pas en dire autant sur le timing. Mais en dehors du théâtre, quand les gens quittent le festival, il y a beaucoup de réactions, de discussions et de conversations spontanées que j'entends. Pas seulement de dire que c'est intéressant ou non, j'entends le public parler plus profondément de ce qu'ils ont vu. Et c'est agréable de voir le public non seulement apprécier le travail mais aussi trouver parfois des moyens de faire le lien avec sa propre vie.

 

 

 

 

Ici, une certaine autonomie est présente. La présence du Parti communiste est assez forte à Kyoto par rapport au reste du Japon, mais aussi les mouvements de citoyens, par exemple pour réduire les déchets, promouvoir la durabilité, sont forts. Je pense qu'il y a des gens qui ne dépendent pas vraiment du gouvernement central, et que les gens peuvent bouger par eux-mêmes ou changer les choses par eux-mêmes. Même si certaines œuvres que nous présentons ne sont pas toujours faciles à comprendre, les gens sont plus ouverts d'esprit en quelque sorte, et ils ne vont pas le rejeter et dire pourquoi j'ai dépensé tout cet argent alors que je ne comprends pas ce qui se passe. Ils n'ont pas cette attitude de « consommateur ». Ils comprennent que l'art n'est pas seulement destiné à être consommé. Je pense que le public de KE est à la fois participant et intervenant.

 

 

 

 

C'est très personnel, mais j'ai l'impression que je ne suis pas seul et que les gens peuvent partager et se connecter les uns avec les autres.

 

Normalement, dans la vie quotidienne, nous vivons à l'intérieur d'une bulle et nous nous associons aux mêmes cercles, et nous pensons que c'est normal. Mais il y a beaucoup de choses qui ne sont pas bonnes à rester dans cet environnement. En faisant quelque chose comme ça, vous réalisez qu'en dehors des gens qui sont immédiatement autour de vous, en dehors de cet environnement, il y a ceux qui ont la même pensée que vous. Cela vous donne de l'espoir.