KYOTOGRAPHIE​ ​a réussi en partie parce que les images photographiques ont la capacité de transcender les différences linguistiques à travers ishin denshin: communication sans mots, cordes sensibles vibrantes en harmonie. « Vibe » qui situe ishin denshin dans un lieu spécifique, est un thème approprié pour le festival de la photographie, maintenant en sa septième année.

 

Parmi les onze lieux principaux, « Les Formes de la Nature: 100 ans de Bauhaus » illustre ce thème le plus fidèlement. Les photographies en noir et blanc de coquillages, coraux et vasières du Nord d'Alfred Ehrhardt ressemblent étrangement à des protozoaires, à la peau et aux cheveux vus au microscope et, comme le souligne la conservatrice Sonia Voss, sont reflétées dans le « macrocosme » vert des vastes jardins du temple Ryosokuin en dehors de la fenêtre.

Cependant, malgré les difficultés de transcription et de traduction, les mots ne peuvent pas être entièrement supprimés. Cela est particulièrement clair dans le cas de « Wild », le lieu principal du musée de Kyoto Annex. La réputation du maître portraitiste Albert Watson parle peut-être d'elle-même. Photographe de photographes, il est célèbre pour sa maîtrise « artisanale » des matières premières de la photographie: pour réaliser son incroyable portrait de Mick Jagger, Watson a rembobiné sa pellicule et a photographié le visage de Jagger sur celui d'un léopard à plusieurs reprises jusqu'à ce qu'il obtienne une parfaite double exposition. J'ai appris cela en lisant la légende à côté de la photo exposée. Malheureusement, ni informations techniques ni arrière-plans n'ont été fournis pour ses autres œuvres célèbres, telles que les images de Ryuichi Sakamoto et de l'île de Skye, ni pour aucune autre photographie, que ce soit sous forme d'étiquettes sur le mur ou dans le catalogue épuré. De même, dans le bref discours qu'il a prononcé lors de la tournée de presse, le photographe semblait plus intéressé à parler de BMW, le sponsor principal de l'exposition, que de son métier. Je sais que ce n'est pas juste de comparer mais en se souvenant de l'extravagance de Jean-Paul Goude de l'année dernière dans le même espace, l'effet était déroutant.

 

Le favori du public de cette année, « What a Wonderful World » de la jeune photographe polonaise (née en 1984) Weronika Gesicka, montages des photos américaines pour révéler la nature fictive de la soi-disant ère de la grandeur américaine, reflétant un sens de l'humour ironique similaire à celui de caricaturistes polonais contemporains comme Pawel Kuczynski. La scénographie est parmi les plus élaborées de l’événement de cette année: des photos sont affichées dans un couloir carrelé et un salon des années 50, avec un canapé, un téléviseur avec des oreilles de lapin, des balais-serpillières aux cheveux bouffants et un équipement de terrain de jeu inattendu dans l'arrière-cour. Des œuvres telles que Roland Marchand's Advertising the American Dream (1985) et les films de David Lynch et Michael Moore (qui ont utilisé la chanson titre comme musique de fond pour une séquence sur les atrocités orchestrées par la CIA dans Bowling for Columbine) ont déjà couvert ce territoire, en ce sens que, comme l'a fait remarquer John Einarsen, pour la plupart des Américains, les photos non montées elles-mêmes auraient suffi à faire passer le message.

Une autre exposition populaire (et aussi très drôle) est « Pierre Sernet & Shunga » à la salle Chikuin-no-Ma chez Kondaya Genbei sur la rue Muromachi, qui avait attiré beaucoup de monde lors de son ouverture au Chanel Nexus Hall à Tokyo. Les shunga, qui signifient littéralement « images de printemps », exposés ici proviennent d'une collection d'estampes érotiques de la période Edo qui figuraient parmi celles exposées au British Museum en 2013-14, et plus tard, avec beaucoup d'hésitation, au musée Eisei Bunko à Tokyo et au Musée Hosomi à Kyoto. Cette réticence à monter une exposition publique dans le pays où cette forme d'art est née était considérée comme surprenante compte tenu du fait que les shunga sont largement disponibles sous forme de livres. Richard Collasse, président de Chanel GK, attribue cette « hypocrisie » à l'influence du « puritanisme américain » du XIXe siècle, mais il existe en fait une longue histoire de producteurs et de fournisseurs de shunga censurés, emprisonnés et même torturés par les autorités de Tokugawa, à commencer par les réformes de Kyoho en 1722 (le catalogue de l'exposition du British Museum consacre un chapitre entier à ce sujet), car, comme l'a soutenu Ian Buruma, la culture japonaise considère souvent les expressions ouvertes de la sexualité comme politiquement transgressives. Dans ce contexte, il est intéressant de noter que lors de l'ouverture de l'exposition à Tokyo, les organisateurs ont envisagé d'organiser une « journée des femmes » pour encourager les femmes japonaises soi-disant pudiques à y assister. La nécessité de telles mesures a été rapidement écartée et, en fait, les participantes étaient plus nombreuses que les hommes, ce qui suggère que les femmes japonaises trouvent que la représentation publique des parties du corps « intimes » est intensément libératrice, comme on peut également le voir dans les œuvres de femmes artistes allant de Yoko Ono à Megumi Igarashi.

 

Le catalogue du British Museum prend soin de souligner que « le Japon moderne n’était certainement pas un paradis sexuel; il y avait une industrie du sexe énorme et exploiteuse », et bien que quelques-unes des gravures représentent un viol et une rencontre particulièrement effrayante entre un capitaine de bateau hollandais à la peau grise et aux doigts de griffe et une travailleuse du sexe stoïque, l'ambiance de la série est principalement légère (Les shunga étaient aussi appelés warai-e, littéralement « images pour vous faire rire »). Parmi les courtisanes et les clients, les femmes de chambre et les vendeurs ambulants, ainsi que les samouraïs et les geishas, nous sommes initiés à des personnages tels que le mabu (l'amant d'une femme mariée, ou le client non rémunéré d'une travailleuse du sexe - « un coquin »), et l'otoko mekake (l'homme entretenu par une veuve). Dans l’éventail apparemment infini de couplages (et le trio occasionnel), la plupart de cela nous échapperait à moins que nous ne lisions les dialogues qui occupent la partie supérieure de la plupart des impressions, qui sont excellemment sous-titrées en anglais et en japonais. Shunga, après tout, a été le premier manga. Si la civilisation a fait des progrès, cela peut être vu par le fait que les couplages érotiques multi-orientés et multiculturels observés dans les portraits de silhouette de Pierre Sernet peuvent être supposés entièrement consensuels.

Le trio des expositions « About Her, About Me, About Them: Cuba through the Art and Life of Three Photographers » de y gion suggère également qu'en introduisant la possibilité de transgression, la répression politique peut être considérée comme moteur de l'expression artistique. Cette pensée m'est venue à l'esprit lorsque j'ai vu comment le plus ancien d'entre eux, Alberto Korda, photographe de mode avant la Révolution, n'avait apparemment aucune difficulté à réajuster sa vision esthétique pour trouver la beauté dans les visages féminins de la révolution, et pour créer son portrait emblématique de Che Guevara. René Pena, qui était un bébé lorsque la révolution a eu lieu, a traité son propre corps comme une « scène » sur laquelle il a abordé l'histoire de l'époque où il a vécu. Alejandro Gonzalez, le plus jeune des trois, utilise la photographie pour critiquer l'écart entre les promesses de la révolution et la réalité, à travers ses reconstitutions en diorama des événements historiques et ses photos des enfants des rues et de membres de la communauté LGBT de La Havane, absents de la récit historique officiel.

 

Bien sûr, la critique sociale la plus tranchante vient de sa propre société. Pendant 12 ans, Kosuke Okahara a été impliquée dans la vie de six jeunes femmes (cinq sont présentées dans l'exposition) de la région de Tokyo qui étaient accro à la pratique de l'automutilation. Les causes: l'intimidation, la violence domestique, les abus sexuels et le viol font partie de l'histoire de fond que nous apprenons seulement dans l'introduction éloquente d'Okahara. Leur situation, écrit-il, sert à « exposer un dessous sombre à la société japonaise contemporaine ». Les photographies, qui révèlent la solitude et le dénuement économique, sont intimes, mais pas voyeuristes. Nous voyons les femmes à la maison, prendre des pilules (anti-dépresseurs?), se préparer à se couper, être transportées à l'hôpital en ambulance. Il est déchirant de voir que même des événements heureux, comme la naissance d'un bébé, ne suffisent pas à empêcher une rechute. Les cinq groupes de photographies sont arrangés de manière très efficace par Shunsuke Kimura dans un espace plus grand et noir, dont les oubliettes et les mauvais virages nous obligent à partager avec ces femmes le sentiment d’être coincé. Le sujet de l'autre exposition d'Okahara, qu'il partage avec le photographe chevronné de Magnum Paolo Pellegrin, est Yoshida-ryo, l'ancienne pension très connu de l'Université de Kyoto, suggérant une fascination pour l'abject, sauf que contrairement aux jeunes femmes qui désespèrent de chercher un « Ibasyo », un endroit où elles se sentent bien, ces jeunes hommes pleins d'avenir (pour la plupart) peuvent être considérés comme étant en train d'expérimenter « tourisme misérable ».

 

Les deux autres expositions qui font un usage exceptionnel de l'espace sont « Kusunoki » d'Ismail Bahri et « Freedom in the Dark » de Benjamin Millepied. Bahari transforme la cuisine Okiyodokoro du chateau de Nijo-jo (le seul endroit utilisé pour la première fois) en une chambre claire géante, invitant le spectateur à découvrir une série d'installations spécifiques du site, y compris un aperçu de l'camphrier extérieur. L'exposition de Millepied, ma préférée, se déroule dans les limites de la sombre galerie noire Kurogura. Photographe, chorégraphe et cinéaste, ainsi qu'ancien danseur étoile du New York City Ballet et directeur du ballet de l'Opéra de Paris, Millepied se consacre actuellement à plein temps à LA Dance Project de Los Angeles, qu'il a fondé. Le couloir d'entrée est bordé d'une accumulation de silhouettes « inexpressives » de personnes traversant Hollywood Boulevard. A l'intérieur sombre, le sanctuaire circulaire est bordé d'une série d'images monochromes très expressives de danseurs en mouvement alternant avec des surfaces réfléchissantes accompagnées d'un paysage sonore composé des « sons de L.A., de Bernard Herman à Schoenberg en passant par Stravinsky ». Au deuxième étage se trouve le court-métrage de Millepied, « Reflections », et plus haut, une troisième salle au sommet d'une tour accessible par un escalier circulaire est aussi bordée de photos en noir et blanc des membres des danseurs, à plus petite échelle. La salle circulaire, avec son paysage sonore de grognements des danseurs en répétition et des bruits sourds en boucle, invite le spectateur à réexaminer ce que Millepied a appelé dans son discours d'artiste une « relation corrompue avec le temps ».