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  1. Nakagawa Shuji: Oke Maker

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나카가와 슈지 : 오케 메이커

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쿄토 Journal은 1987 년부터 일본 및 아시아 전역의 문화, 예술 및 사회를 다루는 상을 수상한 영어 분기별 및 비영리 단체입니다.

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나카가와 슈지의 할아버지 카메 이치 (Kameiichi)는 10 살이되자 타루 겐에서 일을 갔다. 에도 시대 (1603-1868)의 쇠퇴하는시기에 교토에서 설립 된이 유명한 농가 (나무통 또는 통) 및 통은 40 년 동안 카메 이치의 직장이되었습니다. 그 과정에서 Kameiichi는 마스터 shokunin (artisan)이되었습니다. 타루 겐에 대한 충성심으로, 그는 자신의 가게를 열고 다른 품목들 중에서도 삶은 두부를 제공하는 데 사용되는 타원 모양의 나무 용기 인 유도 후케를 만들어 교토 고급 식당과 개인 구매자에게 판매했습니다. "일하는 할아버지는보기에 아름다웠다." Shuji는 다음과 같이 회상합니다.“그가 만든 제품도 훌륭하고 고품질이었습니다. 일본 목공예 장인의 이상은 비행기의 최종 스윕에서 개별 요소가 단일 객체가된다는 것입니다. 할아버지가 그렇게 멍청하게 하셨어요.”
 
멍청한 견습생에게 할당된 첫 번째 과제는 대나무 못을 면도하는 것이며,이 접착제는 쌀 접착제로 양동이의 측면 판금을 함께 고정시킵니다. 거친 대나무는 곧 금속 블레이드에 닳게 되므로 견습생은 도구를 연마하는 법을 배웁니다. Shuji의 목재 비행기 컬렉션은 200 개가 넘으며 가장 오래된 것은 18 세기로 거슬러 올라갑니다. 견습생은 하루에 약 300 개의 손톱을 만들 것으로 예상됩니다. Shuji는 중학교에 있을 때 손톱을 깎기 시작했으며 앞으로 10 년 동안 사용할 수 있도록 충분히 만들었습니다.
 
oke 견습생은 나무를 올바르게 말리는 방법, 곡물을“읽는”방법, 중세 시대부터 거의 변하지 않은 센 (sen)이라고 불리는 곡선 형의 두 손잡이 평면을 포함하여 다양한 도구를 익히게 됩니다. 양동이의 측면을 형성하는 판금을 만들 때, 빛이 통과하지 않을 정도로 완벽하게 맞을 때까지 한 번에 반 밀리미터를 면도하는 법을 배웁니다. 이것은 또한 측면 패널의 완벽한 아름다움뿐만 아니라 수밀성을 달성합니다. 버킷을 더 잘 만들수록 목재 낭비가 줄어 듭니다.
 
견습생은 마스터가 하는 모든 것을 주의 깊게 관찰함으로써 배웁니다. 지시는 거의 구두로 하지 않습니다. 나카가와, 카메 이치에서 아들 키요 츠구, 키요 츠구에서 아들 슈지에 이르기까지 수년에 걸쳐 직접 보고 일하면서 기술과 감성의 조용한 전승이 이루어졌습니다.
 
슈지는“아버지 세대의 전형적인 모습에서 한 달에 200 ~ 300 개의 차를 만들었습니다.”라고 그는 회상합니다. 키요쓰구는보다 편리하고 저렴한 플라스틱 제품이 시장에 쇄도하던 시기에 미술품을 만들었습니다. 키요쓰구는 전형적인 오케 메이커와는 달리 독자적으로 제작한 작품을 전시회에 출품했습니다. 나카가와 가문은 높은 정확도와 훌륭한 기술이 요구되는 작은 공예품을 전문으로 틈새 시장을 개척했습니다. 2001 년에 Kiyotsugu는 일본 정부로부터 살아있는 국보 인증을 획득하여 보상을 받았습니다.
 
나카가와 슈지는 2003 년 가족과 독립적으로 자신의 재능을 추구하기로 결정했으며 현재 자신의 스튜디오에서 4 명의 견습생들과 함께 일하고 있습니다. 나카가와는 오케와 유도후 오케 외에 오이쓰 밥공기 용기, 유오케 뜨거운 액체 용기, 기노미 사케 컵, 치로리를 만들었습니다.
 
자신과 다른 일본 전통 공예품의 생존을 우려한 그는 다른 다섯 명의 설립자인쿄토 전통 공예회사의 아들들과 함께 일본 수공예 회사를 설립함으로써 공예, 미술, 디자인의 경계를 허뭏려는 운동의 선봉에 섰다. 카이카도(테아), 나카가와 목코우게이(목공예), 호소(직물), 고쵸사이 코스가(대나무 예술), 쓰지 가나미(금속 뜨개질), 아사히야키(세라믹스) 등 이러한 협력은 덴마크 디자인 스튜디오 오에 손을 뻗쳐 일본 전통산업 활성화와 국제시장 진출에 도움을 주었다.
 
Steve Beimel : 몇 년 동안 많은 일본 전통 공예가들과 이야기를 나누었습니다. 보통 일본의 전통 공예가 현 세대로 끝날 것이라고 말합니다. 하지만 당신과 다른 사람들은일본 수제공예의 미래에 대해 매우 긍정적입니다. 그 자신감은 어디에서 왔습니까?
 
나카가와 슈지 :기존 제품은 지난 20 년에서 30 년 동안 매출이 지속적으로 감소했습니다. 그러나 오이쓰 (뜨거운 밥공기)와 oke (나무 통 또는 양동이)와 같은 것들이 결국에는 일상 생활에서 사라질 수도 있지만, 건축 기술과 숙련 된 장인의 직업을 모두 보존하고 유지할 수 있다면, 우리는 현대 생활에 적합한 새로운 제품을 만드는 데 동일한 방법론을 적용 할 수 있습니다.
 
 
그러나 신제품 이외에도 여전히 오이쓰와 오케에 대한 잠재적 수요가 있는 것으로 보입니다. 일본의 모든 사람들은 일본식 목욕탕을 갖추고 있습니다. 플라스틱 세면대를 사용하여 자란 대부분의 젊은이들은 손으로 만든 나무 찌꺼기를 사용하는 기쁨을 모른다고 생각합니다. 마케팅 부족으로 인한 것이 아닙니까? 비슷한 방식으로 프랑스와 이탈리아의 섬유 관련 브랜드가 전 세계 모든 주요 도시의 호화로운 지역에 등장하지만 훨씬 우수한 일본 직물 및 장인 염색 직물은 거의 찾을 수 없으며 국내 시장에 정통한 유럽 기업의 PR 시장의 주요 시장 점유율을 잃고 있습니다.
 
 
나도 같은 것을 느낀다. 이탈리아인들은 생산비의 50%를 PR에 쓰고 50%는 생산에 쓴다. 일본은 생산에 90%, 홍보에 10%만 쓰고 있는데 우리는 지고 있다. 아마도 이런 자기PR을 기피하는 경향이 우리의 국가적 특성일 것이다. 일본 핸드메이드에서는, 우리의 기술 수준과 제품의 품질에 대해 확신을 가지고 있기 때문에, 우리는 PR을 열심히 추진하기로 결정했다. 언젠가 일본에서 국제적으로 인정받는 브랜드가 나오는 것이 일반화되길 바란다. 우리에겐 재능이 있어 우리는 단지 홍보에 더 많은 에너지를 쏟으면 된다.
 
 
나는 대부분의 외국인들이 단지 그것을 보는 것 만으로도 일본 공예품을 만드는 데 필요한 것을 파악한다고 생각하지 않는다. 내가 일본 핸드메이드 원형 전시장에 손님들을 데리고 갔을 때, 그들은 호소가 전설적인 오비에서와 같이 매우 복잡하고 3개의 의도적인 직조 직물을 만들기 위해 열심히 그들의 고대 베틀을 개조했다는 것을 들었을 때, 그들은 마침내 이해한 것 같았다. 매끈하고 현대적인 디자인의 샴페인 버킷이 놋쇠 밴드로 고정되어 있는 삼나무의 슬래트를 정밀하게 맞춰 만든다는 것을 그들이 깨닫자, 그들은 그것에 사로 잡히게 되었다. 대부분의 외국인들이 흠잡을 데 없고 오래된 일본 공예 전통을 알지 못하기 때문에, 일본에서 공예에 대한 인식을 높이려면 많은 홍보물이 필요할지도 모른다.
 
예. 전 세계로 확장하기 위해서는 PR 전문가와 팀을 이루어야 한다고 생각합니다. 그러나 제품 디자인 문제도 있습니다. 유럽에서는 작은 현지 공예 스튜디오조차도 자체 사내 디자이너가 있습니다. PR과 마찬가지로 생산의 디자인 측면은 일본에서 심각하게 고려되지 않습니다. 일본의 주요 제조업체의 가전 제품 부서 직원들에게서도 같은 소식을 들었습니다. 기술적으로는 매우 강력하지만 디자인 섹션은 약합니다. 이것이 시장 점유율을 잃는 이유입니다. 일본인은 디자인에 대해 더 의식하고 투자해야 합니다.
 
이것이 바로 일본 핸드 메이드 6 개 회원사가 수행 한 일입니다. 효과적인 일본 마케팅을 통해 오늘날 일본의 전통적인 디자인이 우수한 디자인과 실용성으로 진화하는 모습을 오랫동안 기다려 왔기 때문에 외국인이 왜 그렇게 특별한 지 이해할 수 있게되었습니다. 이것은 쿄토 뿐만 아니라 전국적인 운동이 되어야 합니다.
 
문제는 우리 일본인이스스로  여기서 생산하는 것의 가치를 완전히 인식하지 못한다는 것입니다. 공예 환경에서 자랐고 대학에서 디자인을 공부했지만 약 5 년 전까지는 내 가족의 작업에 대해 완전히 감사하지 않았습니다. 해외에서 많은 사람들이 저의 작품의 품질과 가치를 인정했을 때만 마침내 일본의 전통 기술이 얼마나 위대한지를 깨달았습니다. 일본어만으로 일본인이 이 실현에 도달하는 것은 어렵기때문에 일본 수공예의 목표 중 하나는 젊은 공예가들이 해외를 방문하고 스스로 경험함으로써 자신감을 얻는 것을 장려하고 지원하는 것입니다.
나카가와 산 쿄토에서 태어나고 자랐습니다. 왜 쿄토를 떠나 시가 (쿄토 옆의 현)에 집과 작업장을 세웠습니까?
 
2001 년에 일본의 국보로 지정 될 때까지 아버지와 함께 일했습니다. 그때 저는 더 독립적으로 탐험하고 개발할 수 있는 자신 만의 스튜디오를 만들기로 결정했습니다. “쿄토 ”브랜드가 조금 무서웠기 때문에 쿄토를 떠나기로 선택했습니다. 나는 아버지의 이름이나 쿄토의 높은 명성을 얻지 않고 작품을 만들어 보고 싶었습니다.
 
 
시가로 이사하는 것이 어려웠을 수도 있지만, 매우 자유로워진 것 같습니다.
 
네 그랬습니다. 쿄토 브랜드에서 일하는 것은 판매면에 상당한 우위를 갖지만, 내 브랜드의 힘으로 내 작업에 존재하는 결함이 숨겨질까 두려웠습니다. 쿄토 떠난다는 것은 제 작품이 저만의 장점을 지녀야 한다는 것을 의미했습니다.
 
자유가 종종 불안을 유발할 수 있다는 것을 알았습니다. 쿄토 브랜드의 지원 및 지원을 받지 못하셨습니까?
 
예. 내 자신이 되는 것이 확실히 더 어렵습니다. Japan Handmade는 쿄토 브랜드의 힘을 잃지 않고 독립적으로 일하기 위해 노력하는 새로운 브랜드이므로 결국 쿄토를 넘어 전국의 공예가를 포함시키기를 기대합니다.
 
이것이 바로 쿄토 핸드메이드가 아니라 "일본 헨드메이드"인 이유입니다. 6 개의 회사와 관련된 이 초기의 노력이 충분한 성공을 거두면 다른 회사와 공예가들이 참여하는 것을 고려하시겠습니까?
 
제 생각에 명확히 우리는 현재 일본에서 전통적으로 뿌리를 둔 장인 공예품에 대한 시장 포화 상태를 경험하고 있습니다. 우리는 이제 그 상태에서 새로운 아이디어와 제품이 나올 준비가 되었고, 일본 핸드 메이드는 그 새싹 중 하나라고 생각합니다. 그러나 다른 회사를 초대하는 것에 대해 생각하기 전에 아직해야 할 일과 배워야 할 것이 많이 있습니다.
 
이제 미래의 확장을 생각하기 전에 확고한 토대를 구축하여 길을 준비해야 합니다.
 
바로 그거죠. 현재 6 명 이상으로 회원 수를 늘리면 특정 위험이 따릅니다. 동일한 공유 비전으로 6 개 회사를 발전시키는 것은 어려웠습니다. 각 회사 내에서도 전통 공예에 대한 우리의 태도와 열망은 직원의 태도와 열망과 다를 수 있습니다. 따라서 우리가 도입한 회사는 우리와 하나의 계약을 체결해야 합니다. 그렇지 않으면 조직에 오작동이 있을 수 있습니다. 우리는 모두 지구 환경에서 활동하는 전통 공예 회사와 동일한 의식을 공유해야합니다.
 
 
따라서 일본 수공예의 성공적인 성공을 달성하는 것이 최우선 과제입니다.
 
과연.
 
비용도 많이들 수 있습니다.
 
재정적으로, 한 회사가 자체적으로 세계 시장에 진입하는 것은 불가능합니다. 6 개의 서로 다른 산업이 함께 팀을 구성하는 또 다른 이점은 더 광범위한 고객을 처리 할 수 있다는 것입니다. 일부 고객은 목재 공예에 관심이 있을 수 있습니다. 섬유 및 금속 작업에 있어서도 있습니다. 우리 그룹은 이러한 모든 요구를 충족시킬 수 있습니다.
 
Kaikado 금속 공예품 점에서 목공예품을 판매하는 것을 보았을 때 일본식“노동 분할”의 환생을 목격한 것과 같았습니다.
 
한때 개별 브랜드에만 적용한 기술을 결합하여 목재, 대나무, 세라믹, 구리, 철망 및 섬유의 다양한 조합을 활용하는 Japan Handmade의 완전히 새로운 고가 제품이 탄생했습니다.
 
 
야나기 소에츠 (Yanagi Soetsu)는 일본의 Mingei 민속 공예 운동의 창시자로서 한때 예술적 재능을 가진 사람들에게 기술을 가르치도록 장려했습니다. 덴마크는 산업 혁명 기간 동안 그렇게 했으며 그 결과 많은 훌륭한 것들을 만들어 냈습니다. 반면에 유럽의 다른 나라들은 기성 기술자들에게 미술과 디자인을 가르침으로써 그 반대를 했고 그들이 생산한 많은 것들은 덴마크 작품들의 디자인에 대한 종류의 아름다움과 강점이 부족했다. 나는 야나기의 길을 따라 먼저 예술대학에 갔다가 다시 전통적 뿌리로 돌아온 것 같습니다.
 
당시에는 그렇게 생각하지 않았지만 이제는 대학 교육이 제 업무와 매우 관련이 있다는 것을 알게 되었습니다. 학교에서는 실제로 철로 물건을 만들곤했습니다.
 
모든 형태의 예술이 공유하는 공통된 감성이 있다고 생각합니다.
 
나는 동의한다. 비록 쇠로 만든 물건을 만드는 것은 옥을 만드는 것과 직접적인 관련이 없지만, 예술가와 디자이너의 사물에 대한 사고 방식은 모두 매우 유사하다. 이 감성을 유지하는 것은 나에게 매우 중요하다.
 
그것은 중요한 포인트입니다. 견습 과정은 전통적으로 기술 개발에 집중 해 왔습니다. 그것은 사람들에게 높은 수준의 여행자로서의 일을 재현하도록 훈련시켰다. 그러나 기술적으로 숙련된 장인이 예술가가 될 감성을 개발하는 것은 매우 어려운 일입니다.
 
예, 그 반대도 마찬가지입니다. 디자인을 알고 있지만 생산 기술을 모르는 사람들에게는 이상과 현실 사이에 차이가 있을 수 있습니다. 나는 최근 Nendo Company와 협력하기 시작했으며 창립자 Sato Oki에 깊은 인상을 받았습니다. Sato는 세계적으로 인정받는 세계적으로 인정받는 제품 디자이너로서, 먼저 생산 공정을 자세히 조사하여 각 프로젝트를 시작합니다. 다른 디자이너는 디자인의 명백한 모양만 보고 자신을 제한하는 것처럼 보이므로 제품 실용성이 떨어집니다.
당신은 인생에서 특별한 멘토를 가졌습니다. 제가 인터뷰하는 장인과 예술가가 견습생이 거의 없다는 것이 놀랍습니다. 일본어 도제 시스템은 매우 독특하여 마스터가 직접 가르치지 않습니다. 일본어 견습생들이 지도를 거의받지 않고 시행 착오를 겪으면서 마스터 쉽을 얻는 데 약 10 년이 걸리는 반면, 일관된 수업이 있었다면 숙달에는 2-3 년이 걸릴 수 있습니다. 그러나 시간이 걸리는 견습 과정은 일본의 수십 가지 분야에서 세계 어느 곳에서도 필적 할 수없는 수준의 마스터 쉽을 만들어 냈습니다.
 
나는 현재 나의 네 번째 견습생과 함께 일하고 있다. 저의 첫 번째와 두 번째 견습생은 이제 본인의 스튜디오를 보유하고 있으며 획득한 기술을 적극적으로 적용하고 있습니다. 견습 제도는 계속 될 것이라고 생각합니다. 불행히도, 생산 기술과 디자인을 결합한 효과적인 견습 과정은 여전히 매우 드뭅니다. 새 제품을 만들려면 프로토 타입을 만들 수 있는 사람과 대량 생산할 수 있는 제품으로 변환 할 수있는 사람이 필요합니다. 미술 학교에서 프로토 타입을 만드는 방법을 배우는 사람들은 자신의 작품을 대량 생산하는 것이 매우 어려울 수 있습니다. 반면에 전통적인 공예 시스템은 대량 생산을 위해 사람들을 훈련시킵니다. 이상적으로, 우리는 수세기의 오래된 기술로 훈련받은 견습생의 노력을 프로토 타입 디자이너와 결합하여 글로벌 시장을 위한 새로운 제품을 만들 수 있을 것입니다.
 
 
내가 만난 많은 공예품의 작품은 대량 생산에 적합하지 않을 것이다. 그러나 번창하는 사업을 지속시키기 위해서는 생산량이 매우 중요하다.
 
Japan Handmade는 "아티스트"의 집단이 아니라 "산업"의 집단입니다. 예술은 산업이 많이 생산하는 독특한 작품으로 만들어집니다. 사실,“아티스트”의 개념은 현대 시대가 시작될 때까지 (1868 년 이후) 일본에는 나타나지 않았습니다. 그 때까지“예술”에 대한 일본어 단어조차 없었습니다. 그래서 우리는 그런 의미에서 유럽을 따라 잡는 데 다소 늦었습니다.
 
 
유럽과 미국에서 공예에 대한 관심이 높아지고 있다. 최근까지도 공예품에 대한 관심이나 존경을 받지 못했다. 반면에 일본인들은 역사적으로 공예에 대한 높은 관심을 유지해왔다.
 
그렇다. 예를 들어, 15년 전까지만 해도 유럽에서 나는 예술을 최고의 자리에 올려놓은 중요성의 서열구조를 알아차렸다. 디자인과 공예가 최하위였다. 하지만 오늘날, 그들은 모두 같은 수준을 차지하고 있는 것 같다.
 
아티스트 스기모토 히로시는 최근 런던과 뉴욕의 페이스 갤러리에서 열린 전시회에 참가했으며, 밍게이: 계세요? 이런 공예 관련 전시회가 10년 전만 해도 페이스에서 열렸다는 것은 상상도 할 수 없는 일이 었을 것이다. 최고의 공예가들은 현재 현대 미술과 디자인의 최고 예술가들과 나란히 자리를 잡고 있다. 일본의 장인들은 그 어느 때보다 해외의 디자이너들과 협력하고 있다. 나 자신도 작년에만 밀라노에서 15개 정도의 제의를 받았다. 지금은 공예계에 있어서 흥미진진한 새로운 시대다.
 
예술은 20 세기에 급격한 변화를 겪었습니다. 예술의 역할은 대부분 신의 위대함을 찬양하는 것이 었습니다. 그 후 우리의 마음을 자극하는 인상주의가 뒤따랐습니다. 그러나 나중에 Duchamp, Warhol 및 Japanese otaku와 같은 영향은 우리가 예술을 알고 재구성하는 것에 성공함에 따라 예술의 개념을 파괴했습니다. 이것이 오늘날 공예와 예술이 같은 입장인 이유입니다.
 
전통 예술은 예술에 경험이 없는 사람들도 직접 이용할 수있었습니다. 많은 사람들은 전후 현대 미술과 특히 개념 예술이 그들을 지적으로 참여시키지만 항상 영적으로만 참여시키지는 않는다는 것을 발견한다. 그리고 그것이 매우 영리할 수도 있지만, 충분히 인정받기 전에 종종 중요한 경험이 필요하다. 게다가, 우리의 많은 일상 용품들이 디자인에 거의 신경을 쓰지 않고 공장 에서 대량 생산되기 때문에, 그것들은 매일 아름다운 것들을 보고 만지고 사용하려는 우리의 욕구를 충족시키지 못한다. 그렇다면 수제 공예가 이 정신적 공백을 메우는 데 도움을 주고 있기 때문에 그 어느 때보다도 높이 평가받는다는 것은 일리가 있다.
 
나는 현재의 장인 정신의 감상의 원동력이 기술과 디자인 양측 모두가 높은 단계로 향상되게 하고 있다고 생각한다.
 
우리 집에는 일본 도예가들이 만든 접시가 있다. 각 식사마다 다양한 형태, 질감 및 스타일의 조합이 혼합되어 식사 시간 경험의 질을 크게 향상시킨다. 잘 디자인된 수제품은 예술적 배경과 상관없이 보편적으로 사람들에게 어필한다는 점에서 전통 예술과 같다. 더 많은 사람들이 일상 생활에서 잘 디자인된 물건을 사용하게 되면서, 이러한 공예의 감상은 더욱 확대된다.
 
바로 거기에 패러다임의 전환이 있다. 나는 그러한 변화는 일반 대중에게 스며들기 위해 약 50년이 걸린다고 생각한다. 우리는 1950년대의 예술과 공예가 이제 인기를 얻고 있다는 사실을 알 수 있다. 예술은 항상 선두에 서 있다; 우리가 미적 추세를 따라잡는데 50년이 걸리는 것은 당연하다.
 
반세기? 나는 그렇게 오래 기다릴 수 없다고 생각합니다.
 
나도 그렇다. 그러나 그런 의미에서 공예계가 예술과 함께 그럭저럭 최전선에 머물 수 있다면, 우리는 50년 안에 전 세계 일반인들의 생활방식을 바꿀 수 있을지도 모른다. 재미있지 않을까?
그 과정에 적극적인 참여자로서, 당신은 당신의 일이 어떻게 되어 가기를 원합니까?
 
전통적인 작품을 생산하는 것 외에도 일본의 라이프 스타일의 요구를보다 세계적인 기준으로 넘어서는 작품을 만들고 싶습니다. 예를 들어, 일본식 욕조에 양동이를 만드는 것과 동일한 기본 방법을 사용하여 전 세계 어디에서나 사용할 수있는 샴페인 쿨러를 만들었습니다. 카펫이 깔린 집에서 다다미가 깔린 집처럼 기능적인 물건을 만들고 싶습니다.
 
이곳의 보편적인 요소는 물론 나무다. 나무는 세계 대부분의 문화권에서 인정받고 있다. 일본의 오랜 역사 속에 나무와의 연관성이 매우 깊기 때문에 우리 모두는 공감한다. 우리에게 그것은 보물이고, 나는 이 매우 특별한 매체를 통해 많은 것을 창조하는 도전을 받아 들인다.
 
일본의 목공예는 보호도료나 니스를 바르지 않고 완성하는 경우가 많다. 우리는 그것을 자연상태로 본다. 미국에서 자랄 때 페인트칠을 하지 않은 가구를 파는 가게들이 있었는데, 돈이 모자란 사람들이 그것을 사서 집ㅇ로 가지고 가서 직접 페인트칠을 하거나 얼룩을 만들곤 했다. 나는 항상 페인트칠을 하지 않은 가구들이 상점에서 우아하고 아름답다고 생각했지만 페인트칠을 하고 나니 실망스러울 정도로 싸 보였다. 그래서 처음 일본에 왔을 때 칠하지 않은 천연 목재를 너무 많이 보고 놀랐다.
 
페인트칠한 나무가 균열로 누수가 일어나야 한다면, 물은 그곳에 갇히게 되고, 나무는 결국 썩게 된다. 이것은 접시와 그릇이 자주 젖기 때문에 매우 중요하다. 그래서 우리는 그것들을 칠하지 않는 것이다.
 
우리가 종종 나무를 페인트칠을 하지 않기로 선택하는 것에는 영적인 이유도 있습니다. 신토의 추종자로서, 우리의 자연 숭배의 일부는 천연 나무에 대한 우리의 깊은 존경과 경외심입니다. 이세에서 가장 성스러운 신사는 도색되지 않은 나무로 만들어졌습니다. 이 신토는 많은 방식으로 우리 문화에 영향을 미칩니다.
 
전통적인 일본의 목재는 완전히 벗겨져 자연스럽거나, 전 세계 어디에서도 볼 수 없는 수준까지 완벽하게 칠해진 것 같습니다. 두 극단 모두 절묘합니다. 일본의 대부분의 가정에서, 우리는 종종 같은 방에서 완벽한 예를 볼 수 있습니다. 가족의 신토 신사는 천연 나무와 불완전하게 칠해진 불교 제단으로 표시됩니다. 극단의 균형입니다.
 
이것은 일본의 미학의 훌륭한 예입니다.
 
Sugimoto Hiroshi가 디자인 한 토쿄 오모테 산도의 Café Kanetanaka를 방문한 적이 있습니까?
 
아직.
 
내부는 단순함에 있어서 강력하다. 그 공간은 미완성이고 매우 밝은 색의 나무로 만들어진 아주 긴 테이블 두 개로 구성되어 있다. 그 방의 전체 길이는 바닥에서 천장까지 열려 정갈한 정원이 된다. 그것은 놀랄 만큼 아름다운 공간이다.
 
스기모토상과 함께 일하면서 나는 정말 눈이 뜨여지고 있었다. 나는 많은 것을 배웠다. 나는 스기모토 히로시나 사토 오키와 같은 사람들이 해외에서 그렇게 잘 알려져 있고 좋은 평가를 받기는 하지만, 이곳, 일본에서 마땅히 받아야 할 인정을 받지 못할 정도로 이상한 것을 발견한다.
 
그래서 저는 다시 되돌아 왔습니다. 일본인들은 우리 문화의 가치를 알기 위해 해외로 가야합니다. 이것은 예술가뿐만 아니라 모든 일본인에게 해당됩니다.  스기모토와 사토는 둘 다 그들의 일에 일본적인 면을 멋진 방법으로 활용합니다. 그러나 너무나 자연스럽고 평범해서 많은 일본인들이 우리의 맥락 안에서 조차 그것을 알아차리지 못하고 따라서 공정하게 평가할 수 없게 됩니다.
 
저는 미국처럼 비교적 새로운 문화에서 일본으로 건너오는 것은, 아마도 이런 환경에서 자란 사람보다 국내에서 발견되는 기술 수준, 아름다움, 창의성에 감동하고 감명을 받는 것이 더 쉽다고 생각한다.
 
그렇기 때문에 나는 우리가 어느 정도 이탈을 하고 물러설 필요가 있다고 생각한다. 그렇지 않으면 전통적인 공예 시장은 계속해서 위축될 것이다. 일본 핸드메이드가 우리 내수시장에 다가가 첫 해외 마케팅을 집중해 일본인들의 눈에 보이는 전통 공예의 가치를 높이려는 것이다. 일본인들은 해외에서 처음 인정받기 전까지는 국내에서 만들어진 물건의 가치를 인식하지 못하는 경향이 있기 때문에, 국내 제품 판매는 해외에서 인기를 얻은 후에야 급증하는 경우가 드물지 않다. 그러나 먼저 해외로 나가는 것은 그런 우회적인 과정이다. 일본이 이런 태도에서 벗어나려면 수년이 걸릴 수도 있다.
 
국내외 홍보도 전략의 일부입니까?
 
그렇다. 전 세계적에 자신을 확립하는 것은, 업무를 수행하는 기술 수준만큼 PR과 디자인에 달려 있습니다.
 
그래서 일본 핸드메이드가 PR과 디자인을 모델에 포함시킴으로써 앞으로 나아가고 있다. 이는 적극적인 협력이 더해지면서 다른 전통적인 일본 공예 생산 업체들보다 훨씬 앞서가고 있다. 알다시피, 내가 만난 일본 전역의 다른 예술과 공예 관련 분야의 사람들은 종종 서로를 알지도 못한다는 사실이 계속해서 나를 놀라게 한다. 인맥이 거의 없다는 것이다.
 
당신의 말에 일리가 있다. 무지가 가장 큰 문제다. 우리가 일본 핸드 메이드를 시작하기 전에는 우리 여섯 사람조차 서로 알지 못했다. 우리 산업은 비슷하지만 수평적인 의사소통은 없었다. 이제 우리는 함께 일하고 페이스북과 같은 도구를 사용하여 정보를 공유하고 네트워크를 구축하고 있다.
 
현재 일본 핸드메이드가 쿄토에 본사를 두고 있지만, 쿄토 JH와는 상당히 다른 시가현 버전도 계획하고 있다. 올 가을, 한 그룹의 시가 공예인들이 뉴욕에서 단체 쇼를 계획하고 있는데, 이것은 매우 흥미로울 것이다. 세계 시장에서 일본 전통 공예품을 만드는 데 50년이 걸린다고 했지만, 정말 훨씬 더 빠를 수 있다. 우리가 충분히 노력한다면, 아마도 우리는 그 시간을 반으로 줄일 수 있을 것이다.
 
네가 그렇게 말해서 기쁘다. 그때까지 116 세가 된 이후로 50 년 동안 기다릴 수 있다고 생각하지 않습니다. 일본 핸드 메이드의 노력에 박수를 보내어 각자의 가족의 기술을 현대 세계에 전수하고 디자인과 장인의 우수성을 전 세계 사람들의 일상 생활에 소개합니다.

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